Los Mochis, Ahome, Sinaloa. En el marco del Encuentro de Literatura Inés Arredondo (ELIA) 2025, el pasado viernes 10 de octubre se presentó la plaquette Tierra al mar de Roxana Xamán, como parte de colecciones Timonel del Instituto Sinaloense de Cultura.

Durante la presentación, la autora compartió una conversación en torno al génesis y las resonancias de su obra. La obra fue comentada por Cesia Moreno —jefa del Departamento de Literatura, coordinadora, gestora cultural y poeta— y Maritsa Vega, socióloga rural y poeta, quienes abordaron la sensibilidad marítima y corporal que atraviesa los versos de Xamán, así como su manera de vincular la memoria familiar y la conciencia del territorio con una escritura de alta potencia simbólica.

Originaria de Mazatlán, Roxana Xamán ha tejido una poética donde el cuerpo y el paisaje se confunden, donde la orilla no es límite sino origen. Doctora en Creación y Teorías de la Cultura por la Universidad de las Américas Puebla, maestra en Escritura Crítica y Creativa por la Universidad de Sussex (Reino Unido) —como becaria del programa Chevening— y maestra en Estudios Hispánicos por la Universidad de Cádiz (España), Xamán habita la palabra desde un diálogo entre el pensamiento y el oleaje.

En exclusiva para Agorá, Roxana respondió tres preguntas que giran en torno a su plaquette y proceso poético:

¿Qué origen o impulso creativo dio forma a este gesto poético que nombra la plaquette?

“Pienso que el mar es un espacio fértil tanto para la poesía como para la vida. A veces, por ser un territorio en movimiento, no solemos contemplarlo en la frase ‘poner los pies sobre la tierra’. Quiero sugerir que este territorio, justo por su vaivén, es buen espacio para asentarnos y desde ahí ser y hacer”.

¿De qué manera esta obra amplía o reconfigura tu relación con los elementos —la tierra, el agua, el cuerpo— como territorios de escritura?

“Quizá estos poemas, especialmente los que conectan con el mar, me ayudan a reconocerme como parte de la naturaleza. No está tan distante el movimiento de la ola del movimiento de la vida humana, no está tan lejana una caída de ola y su explosión de energía de un acto creativo humano”.

Si “Tierra al mar” pudiera hablar, ¿qué diría de ti como autora y qué quisiera dejarle al lector que se acerque por primera vez a tu voz?

“Es un poemario muy íntimo porque tengo poemas a mis padres, a mis abuelos; hablo de mis pasiones y de mis dolencias políticas, amorosas y familiares. De pronto me siento expuesta, no sé si lo vuelva a hacer, así que aprovechen antes que juegue al escondite”.

La plaquette prolonga los ecos de sus obras anteriores: Recuerdo que el mar era dulce (2014), Celebrity Show! (2020) y Canto Salitre (2022), reafirmando una escritura anfibia capaz de transitar entre lo íntimo y lo colectivo, lo crítico y lo onírico.

La autora Xamán se dedica a la docencia, la investigación social y el performance colectivo, territorios donde el arte se vive como una forma de resistencia y comunión.

Tierra al mar es una travesía hacia el origen, un eco salino donde la voz se confunde con el horizonte y la poesía —como el agua— recuerda que toda orilla también es un comienzo.

TIERRA AL MAR

Arroja dos puños al mar

: la pradera, el tomillo, la satisfacción,

tu alegría misteriosa.

Goza del despilfarro

como quien ve crecer ramitas de tomillo

en un vaivén acuoso como quien persigue

el baile de peces entre corales y hojas nuevas

o quien para un fondo marino tapizado de arbustos:

Tallo-hoja-flor-tallo-hoja-flor-tallo.

quien quiera un huerto en el océano

que levante su puño de tierra:

¡Ay de aquél al que no se le derrame entre sus manos!

*Forma parte de la plaquette Tierra el mar (2025)

Los Mochis, Ahome, Sinaloa. En el marco del Encuentro de Literatura Inés Arredondo (ELIA) 2025, el pasado viernes 10 de octubre se presentó la plaquette Una casa que se cae de Gloria Manyula, publicada como parte de colecciones Timonel del Instituto Sinaloense de Cultura.

El encuentro poético abrió con esta lectura, que antecedió a la presentación de Tierra al mar de Roxana Xamán, en una jornada donde la palabra femenina fue el centro de resonancia y diálogo. La obra fue comentada por Carolina Escalante, escritora y promotora cultural, y María Zinerva, poeta y gestora cultural mochitense, quienes destacaron la fuerza simbólica de la voz de Manyula: una poesía que habita la fractura con lucidez, que encuentra en el derrumbe no el final, sino una forma de resistencia.

Durante la conversación, se subrayó cómo Una casa que se cae convierte el colapso en un lenguaje posible, en una forma de memoria y renacimiento. La plaquette fue celebrada por su hondura emocional y su mirada crítica sobre el lenguaje como refugio ante la pérdida.

En exclusiva para Agorá, Gloria Manyula respondió tres preguntas sobre el proceso creativo y simbólico detrás de su obra:

El título Una casa que se cae evoca fragilidad, pérdida, pero también la posibilidad de reconstrucción. ¿Desde qué lugar interior nace esta obra, y cómo dialoga esa ruina con tu experiencia o tu forma de entender la poesía?

“Una casa que se cae es un diálogo individual y colectivo sobre la experiencia de los duelos, es una reconstrucción a partir de los escombros, una forma de nombrar lo que se vive, lo que se siente y de dar respuesta a las preguntas que surgen.”

Poeta, actriz y activista originaria de Mazatlán, Manyula es Licenciada en Sociología y egresada de la Maestría en Ciencias Sociales con Énfasis en Estudios Regionales por la Universidad Autónoma de Sinaloa. Ha desarrollado trabajos de investigación bajo las líneas de violencia, género y feminismos, territorios que también atraviesan su obra poética, donde lo político y lo íntimo se entrelazan con una voz firme, reflexiva y profundamente humana.

La casa suele ser metáfora del cuerpo, de la memoria o del lenguaje. En tu plaquette, ¿qué representa esta casa? ¿Es un espacio físico que se derrumba, una emoción que se deshabita o una estructura que exige volver a nombrarse?

“Siento que puede ser todas, es una transformación del ser a partir de los duelos, la memoria resiste por encima de todo. Se abren las puertas de los recuerdos y van dando sentido a las emociones que nos habitan. Es una casa que siempre está en reconstrucción, no importa cuántas veces caiga, siempre está buscando la luz al final del túnel.”

En Una casa que se cae, Manyula propone una mirada sobre el cuerpo y el espacio como entidades vulnerables, pero vivas: la casa se derrumba, sí, pero en su polvo florece otra forma de permanencia. Su poesía observa lo cotidiano con una serenidad que desarma; encuentra belleza en el temblor, consuelo en la ruina, verdad en lo que se fragmenta.

Entre los escombros también puede haber belleza. ¿Qué hallazgos poéticos, heridas o certezas aparecieron en el proceso de escribir esta plaquette que ahora compartes con los lectores?

“Encuentro una belleza en nombrar los momentos tristes, un lenguaje compartido con otras mujeres que han sido parte y red en mi vida, es darle su lugar a la genealogía de las mujeres en mi familia.”

Así, Una casa que se cae se levanta sobre los restos: un territorio íntimo que se sostiene, y entre los escombros el poema sigue respirando.

HABITARME

Mi casa es un museo de objetos

que me dicen de donde vengo

y a dónde voy

Me miro al espejo y encuentro

el reflejo de mi madre,

el de mi abuela y el de tantas otras

que pasaron por aquí.

Hubo mujeres tejiendo historias

en las trenzas de niñas

y con servilletas coloridas

adornaban las mesas

y los caminos empedrados

mientras la máquina de coser

les remendada las heridas.

En mi habitación se esconden

las mujeres que ya no están:

las escucho por las noches

y me cuentan sus secretos,

susurran a mi oído

y me dicen que la historia

no debe volverse a repetir.

*Forma parte de la plaquette Una casa que sea cae (2025)

Los Mochis, Ahome, Sinaloa. Entre las primeras actividades del Encuentro de Literatura Inés Arredondo (ELIA) 2025 se gestó un diálogo entre la vida, la palabra y la ironía luminosa de la poesía contemporánea. En el Museo Regional del Valle del Fuerte, Tilsa Otta, escritora y cineasta peruana radicada en México desde hace varios años, presentó su libro La vida ya superó a la escritura (2018), una obra que mezcla lo sagrado con lo digital, lo íntimo con lo cósmico, el deseo con la ciencia ficción.

El libro fue comentado por Carolina Escalante e Issac Cordero, quienes ofrecieron lecturas complementarias y reveladoras. Escalante subrayó la capacidad de Otta para construir una poética que integra el cuerpo y la virtualidad, donde los afectos circulan como pulsos eléctricos entre pantallas, memorias y danzas. Cordero, por su parte, destacó que el título del libro “no es una rendición, sino una provocación”: una declaración que reconoce que la vida se escapa de toda escritura, pero que la poesía —desde ese mismo límite— se reinventa para seguir respirando.

Durante la presentación, Otta habló de la poesía como un campo en expansión donde conviven los lenguajes de la calle, el erotismo, la ciencia y la tecnología. “Escribir poesía hoy es estar en contacto con una sobrecarga de estímulos, pero también con la posibilidad de encontrar belleza en medio del ruido”, dijo la autora, que desde su obra ha transitado la palabra escrita, el performance y el cine como espacios de exploración afectiva.

Entre los poemas referenciados, resonó “La hormona de la oscuridad”, donde el deseo aparece como energía política, y “El nuevo cielo”, una utopía afectiva que imagina un paraíso inclusivo y festivo: un cielo remix donde conviven Carl Sagan, Amy Winehouse y la oveja Dolly. En cada texto, Otta parece afirmar que la poesía no busca explicar el mundo, sino amplificarlo, abrir grietas por donde entre más luz.

Los comentaristas coincidieron en que La vida ya superó a la escritura es una arqueología del presente: una escritura hecha de fragmentos, confesiones, ritmos urbanos y destellos de una espiritualidad electrónica. Una poesía que celebra el caos y lo vuelve danza, que se atreve a escribir desde el vértigo del siglo XXI con una voz que sabe ser lúdica, queer, cósmica y tierna a la vez.

La poesía sigue viva, y no teme contaminarse de vida. Tilsa Otta lo demuestra con una escritura que no se limita a observar el mundo, sino que se lanza a vivirlo —a la velocidad de un rayo.

Poemas del libro La vida ya superó a la escritura de Tilsa Otta

La poesía es la gran aguafiestas

La invitada sentada en la esquina callada

Observando a todos, la que no se halla, se aburre rápido, piensa

que estaría mejor en casa

La que roba vasos de otras manos y siempre pide cigarros,

La primera que baila y luego llora,

La que roba besos a chicos y chicas, la que no logra articular palabras

ni caminar derecho, la que pierde el sentido

A quien botan a patadas y regresa

Contenta, ya más animada

La última en irse, cuando la fiesta ya ha terminado

La primera en llegar cuando la fiesta ha terminado

La copa rota, el suelo mojado, el vómito en el sofá de cuero, la quemadura de cigarrillo en mantel y brazos, la aventura de una noche, la resaca, el chupetón, el arrepentimiento, el nuevo amor, la pastilla del día siguiente, tus tres hijos, el departamento comprado a plazos, la búsqueda del éxito, la deuda con el banco, el auto de segunda, la estabilidad, la confianza que dan los años, la crisis de los cuarenta, el fin del amor, la vejez tranquila, tu entierro.

La poesía es todas las fiestas.

Daddy Yankee escribió:

“El chico sabe que esto es lo que hace

el tiempo que separa los niños de los hombres.

El chico sabe que esto es lo que hace

el tiempo que separa con calma los colores”

Cuando Jenny decía “papi dame más duro” era sincero,

ridículamente complicado de entender para los conservadores

y las fundamentalistas

quienes cuestionaban airadxs este tipo de amor

tan consensuado y romántico como el más inapetente y reprimido

“Yo no soy distintx a ustedes

y hoy en día soy cantante porque ustedes quieren”

rebatió Don Omar el bandolero,

porque ya lo había dicho Arcángel la maravilla: no hay cultura menor.

Me gusta pensar que cuando las parejas enamoradas dicen que se

amarán por siempre

Realmente su amor dura para siempre

Aun cuando se hayan separado

Se odien en algún momento

Se olviden eventualmente

Se extrañen un día

Quieran regresar y no puedan

Encontrar su amor porque está

Criogenizado en un compartimento especial que todos tenemos

en nuestros corazones donde se conserva para siempre en

perfectas condiciones pero fuera de nuestro alcance

Lo cual es mejor si pensamos

En todo lo que hemos destruido

Como especie

Los Mochis, Ahome, Sinaloa. El pasado 9 de octubre se llevó a cabo el primer día de actividades del Encuentro de Literatura Inés Arredondo (ELIA) 2025, donde se presentó Arqueología del paraíso, el más reciente libro de la poeta, escritora, correctora de estilo, maestra y traductora mexicana Julia Melissa Rivas, obra ganadora en 2023 del Concurso del Libro Sonorense en la categoría de Poesía.

La presentación estuvo a cargo de Adalberto García López —poeta, traductor y ensayista— y Cecilia Aurora Bojórquez —poeta, correctora de textos y tallerista de Arte Comunitario en Los Mochis—. Ambos abordaron la propuesta de Rivas desde una lectura sensible, cercana y analítica, subrayando el modo en que la autora funde la experiencia espiritual y artesanal en el acto de escribir. Durante la sesión, se destacó que Arqueología del paraíso plantea una arqueología íntima donde el lenguaje se vuelve materia viva: pan, fuego y gesto. Rivas aproxima la escritura al acto de hornear pan —metáfora central del libro—, estableciendo un diálogo entre cuerpo, memoria y palabra. En ese gesto, la autora devuelve al lenguaje su dimensión tangible y su carga espiritual: la palabra se amasa, se cuece y se comparte.

Lectura desde la mesa por Cecilia Aurora Bojórquez

¿Qué tienen en común hornear pan con la poesía? ¿Con la palabra? ¿Con el lenguaje? Julia Melissa Rivas responde estableciendo una relación entre el acto creador de ambas actividades: por un lado, hornear pan requiere unas manos que edifican, que construyen una masa, que dan forma; en el caso de la poesía, sucede la misma ecuación: hay unas manos que construyen, que ordenan y dan forma al lenguaje.

A través de intertextualidades con otras voces y una cadencia casi litúrgica, la autora nos sumerge en un paraíso anterior, ancestral y generacional como lo es hornear pan. Durante la presentación del libro junto a Adalberto López, conversábamos sobre por qué había elegido esta práctica entre todas las culinarias: Rivas parte de un espacio personal y familiar, donde esta actividad fue realizada por su madre y compartida con ella.

Arqueología del paraíso propone un diálogo escritural y culinario, un laboratorio para la generación poética. La autora inserta un lugar común —el de hornear pan— desde una palabra y tono trabajados, precisos y evocadores sensorialmente: las manos que se embarran de harina, el aroma a café y vino, el sabor del pan, las burbujas que revientan en la masa fermentada. Un espacio dispuesto desde la innovación, lo experimental y lo primigenio.

En el apartado “El arte de perder”, Rivas nos sitúa en el mundo actual, económico y de pérdida material; mientras que en “Espuma sobre la masa” recupera la estructura de los salmos bíblicos para hablarnos de un mundo ya concebido desde la palabra, desde una masa que ha pasado por sus procesos químicos para ser madre-origen.

“¿Qué digo cuando afirmo que con mi puño también escribo, cuando digo que horneo la palabra que después sirvo sobre los manteles de la lengua?”, se lee en el poema XIV, “Arde el paraíso”.

En su conjunto, Arqueología del paraíso es un gesto de reconciliación entre lo que se pierde y lo que se revela, entre la masa que se transforma y la palabra que fermenta. Julia Melissa Rivas deja entrever que toda palabra tiene levadura, así como escribir y hornear, y que toda palabra, como toda masa, necesita su tiempo para volverse pan.

El evento reunió a autoras, lectores y gestores culturales de distintas latitudes, consolidando a la ciudad cañera como un epicentro de intercambio artístico. Durante dos días, las salas del museo se llenaron de voces, metáforas y aromas simbólicos; la palabra fue mesa, banquete y puente entre generaciones.

Primer bloque de actividades: la palabra como casa común

El encuentro inició con una mesa de lectura de poesía integrada por las poetas sinaloenses Cecilia Bojórquez —nacida en Chihuahua—, Roxana Xamán y Gloria Manyula —ambas de Mazatlán—, y Maritsa Vega, originaria de El Carrizo. Ellas abrieron el ciclo de lecturas con una pluralidad de tonos y miradas, explorando desde la raíz íntima del lenguaje hasta los bordes de la identidad individual a la colectiva. En sus voces resonó el poder del poema como territorio de reconstrucción y fuerza creadora frente a las injusticias sociales, reafirmando que la poesía también es una forma de resistencia y de luz.

A continuación, se presentó el libro Arqueología del paraíso de la poeta sonorense Julia Melissa Rivas, donde dispone la mesa para las palabras, con toda la simbología del pan y sus resonancias intertextuales. La levadura se convierte en un poder interno e invisible; la hogaza, en una forma de vida espiritual encarnada en lo mundano; y las cenizas, en una recordación de la humildad y la fugacidad de la existencia. El acto de hornear, como el de escribir, es un proceso que exige paciencia, calor y fe en la transformación. Los comentarios de Cecilia Bojórquez y Adalberto García López ofrecieron una lectura lúcida sobre el diálogo entre cuerpo, fe y ritual que atraviesa la obra.

El turno siguiente fue para La vida ya superó a la escritura, de la escritora y cineasta peruana Tilsa Otta, cuya propuesta poética, vital y lúdica, desborda los límites entre la experiencia personal y el imaginario digital contemporáneo, aquí el poema se convierte en pista de baile y espejo interdimensional: se perrea entre versos, la música adquiere sombras, y los instantes ajustan su brillo para que podamos reconocernos desde adentro, mirarnos en perspectivas múltiples y, acaso, reinventarnos. Carolina Escalante e Issac Cordero conversaron sobre la obra destacando su honestidad y la manera en que Otta teje humor, política y deseo en un mismo hilo narrativo.

El primer día culminó con la mesa conversacional “Leer y escribir poesía: un acercamiento a las poéticas personales”, donde Tilsa Otta, Roxana Xamán, Julia Melissa Rivas y Gloria Manyula, moderada por Francisco Bojórquez e Issac Cordero, compartieron su experiencia frente a la hoja en blanco, los procesos que sostienen su escritura y las formas en que la realidad moldea sus universos poéticos. La conversación, a primera instancia parecería un intercambio técnico artístico, se volvió una declaración de principios sobre la poesía como forma de resistencia y de amor, una posibilidad de habitar el mundo.

Segundo bloque de actividades: el territorio simbólico de las raíces

El segundo día abrió con la mesa “Hierbas y palabras: reescribir las raíces”, presentada por las autoras Brenda Castro y Mayela Lara —ambas originarias de Culiacán—, bajo la moderación de Carolina Escalante. La charla se adentró en la herbolaria, la oralidad y los saberes tradicionales de la región de Ahome como fuentes de escritura, proponiendo que el acto de nombrar es también un gesto de sanación. Durante la conversación, Castro y Lara compartieron parte de su experiencia en la elaboración del herbario gráfico colectivo Flor de tierra, una obra que combina arte, memoria y botánica desde una mirada comunitaria. Las autoras puntualizaron la importancia de conocer las propiedades curativas de las plantas locales, no solo como herencia ancestral, sino como un modo de reconectar con la tierra y reconocer los vínculos entre cuerpo, territorio y lenguaje. La mesa articuló una mirada ecofeminista, donde las plantas se conciben como presencias territoriales y simbólicas, y al mismo tiempo, como nutrientes del organismo y del espíritu. En sus palabras resonó una ética del arraigo: escribir, dijeron, también es sembrar.

Posteriormente, se presentaron dos plaquettes editadas recientemente por el Instituto Sinaloense de Cultura a través del Centro de Literatura, como parte de colecciones Timonel, dedicada a difundir nuevas voces de la poesía mexicana: Una casa que se cae, de Gloria Manyula, comentada por Carolina Escalante y María Zinerva, y Tierra al mar, de Roxana Xamán, con comentarios de Maritsa Vega y Cesia Moreno. Ambas obras establecen un contrapunto entre lo íntimo y lo comunitario: mientras Manyula explora el derrumbe como metáfora del cuerpo, la fragilidad y la memoria, Xamán convoca al mar como símbolo de renacimiento, dejando que su palabra fluya entre el mito, el agua y la geografía interior.

Avanzó la tarde con la ponencia “El banquete de papel” de Claudia Bañuelos, una charla que trazó un recorrido histórico y simbólico por la relación entre literatura y cocina. Bañuelos hiló ejemplos que abarcaron desde la narrativa clásica hasta la cultura audiovisual contemporánea, revelando cómo el acto de cocinar y el de escribir comparten una misma alquimia: transformar lo simple en experiencia estética. Su exposición fue también una celebración de lo doméstico como espacio de creación. La cocina —dijo— es una página en blanco donde se escriben los afectos; un lugar donde la memoria, el sabor y la palabra se encuentran en comunión.

El ELIA en Los Mochis concluyó con una lectura colectiva que reunió a Julia Melissa Rivas, Carolina Escalante, Cesia Moreno, Gloria Manyula y María Zinerva, con la intervención de Roxana Xamán. Esta constelación de voces provenientes de distintas regiones del estado y del país reafirmó el compromiso de descentralizar las actividades culturales y llevar la literatura a nuevos territorios, permitiendo que la poesía se escuche y se comparta desde diversas geografías emocionales. Cada poema compartido fue prueba fehaciente de que la poesía sigue viva en los rincones del norte, respirando entre los muros del museo y las calles principales donde las palmas tocan el cielo y la palabra crea comunidad.